VIẾT VỀ MUSIC
Viết về âm nhạc nhiều như viết về (nói) bức tranh, trong đó chúng tôi lấy làm mục tiêu của chúng tôi (một) giới thiệu một hiệu suất và (b) chia sẻ hiểu biết của chúng tôi vào gian xảo của biểu diễn đó, trong ngôn ngữ đó là như trực tiếp và như bê tông như chúng ta có thể làm cho nó.Đối với chúng tôi, "viết về âm nhạc" bao gồm (a) xem xét một buổi hòa nhạc hoặc một đĩa CD hoặc (b) viết giấy lót, ghi chú chương trình, một cuộc phỏng vấn, hoặc một danh một nhạc sĩ hay một diễn viên.
Rất dễ hiểu, viết về âm nhạc không phải là dễ dàng như viết về nghệ thuật ngôn từ. Bất kỳ hoạt động nhất định có thể hài lòng một người biết lắng nghe và làm trái ý khác. Trong trường hợp này, sự thử thách chính trong việc dịch các âm thanh của một ngôn ngữ (ghi chú) vào các âm thanh của một (các từ).
Bất kỳ cuộc thảo luận của các nhà phê bình âm nhạc nổi tiếng nhất của thế kỷ này sẽ phải bao gồm các nhà phê bình như George Bernard Shaw (Anh), người (nhiều người sẽ nói) thiết lập các tiêu chuẩn; Aaron Copland, Whitney Balliet, Leonard Bernstein, và Virgil Thompson (Mỹ); và John Everett-Green (Canada).
Dưới đây, tôi đưa ra một số gợi ý về cách để giúp người đọc đánh giá cao sự phức tạp của việc thực hiện bạn có kế hoạch để viết về. Một lần nữa, tôi tập trung vào (a) nhận được sẵn sàng để viết và (b) bằng văn bản của tác phẩm. Tôi đã đưa ra những lời đề nghị như hướng dẫn, không phải quy tắc cần được theo sau trong tất cả các sự kiện âm nhạc.
- Nó đứng vào lý do đó, đối với các nhà phê bình cũng như các nhạc sĩ, khả năng lắng nghe là cơ bản. Chúng ta đều nghe nhạc theo năng lực cá nhân của chúng tôi. Nhiều người trong chúng ta đã có được một số thói quen xấu - như nghe nhạc như một nền tảng cho các hoạt động khác. Bằng cách này, theo Eric Satie, chúng tôi chuyển nhạc vào tường giấy hoặc đồ nội thất. Để bắt đầu, chúng ta nên phân biệt phiên tòa từ nghe.By nghe, chúng tôi có nghĩa là nhận thức của những rối loạn trong không khí gọi là âm thanh. Bạn có thể ngồi trong một căn phòng, học tập cho một kỳ thi nói, trong khi âm thanh đến từ các đài phát thanh rửa hơn bạn. Chúng tôi có thể nói rằng bạn đang lắng nghe, nhưng theo một cách thụ động. Hãy tưởng tượng một ai đó bước vào phòng và nổi bật một ghi chú trên piano của bạn: đột nhiên, những thay đổi không khí. Giật mình, bạn lắng nghe một cách khác nhau.
By lắng nghe, chúng ta có nghĩa là nhận thức và hiểu biết những gì sẽ xảy ra trong âm nhạc. Trong trường hợp này, bạn đang nghe một loại hoạt động của con đường.
- Nghe trong âm nhạc (1957), Aaron Copland khẳng định rằng chúng tôi nghe nhạc trên ba mặt phẳng:a. Gợi cảm
Như Copland chỉ ra, sự hấp dẫn của âm nhạc ở mức này là hiển nhiên. Các yếu tố âm thanh trong âm nhạc là một mạnh mẽ cũng như một tác nhân bí ẩn. Điều đáng ngạc nhiên (ông nói thêm) là nhiều người tự coi mình là những người yêu thích âm nhạc có trình độ nghe chỉ mức này; họ đi đến buổi hòa nhạc để mất chính mình; họ sử dụng âm nhạc như một sự an ủi hay như một lối thoát.
Tuy nhiên, có một điều như trở nên nhạy cảm với các loại khác nhau của "thứ âm thanh" như được sử dụng bởi các nhà soạn nhạc, nhà soạn nhạc khác nhau sử dụng các công cụ âm thanh trong nhiều cách khác nhau. Chúng tôi nhận thấy rằng việc sử dụng một nhà soạn nhạc của các yếu tố âm thanh là một phần không thể thiếu trong phong cách của mình và lắng nghe chúng ta phải đưa vấn đề này vào xem xét.
b. Biểu cảm
Copland lập luận rằng tất cả âm nhạc truyền tải ý nghĩa đằng sau các ghi chú và rằng ý nghĩa đằng sau những nốt nhạc tạo nên cái mà các mảnh nói, những gì các mảnh là về. Tất nhiên, chúng ta không thể đưa ý nghĩa này thành từ rất nhiều. Tại thời điểm khác nhau, ông nhận xét, âm nhạc thể hiện sự thanh thản hay tâm trạng phấn khởi, hối tiếc hay chiến thắng, giận dữ hoặc thỏa thích. Âm nhạc thể hiện những tâm trạng, và nhiều người khác, trong một loạt các shadings tinh tế và khác biệt. Nó thậm chí có thể thể hiện một trạng thái của ý nghĩa mà tồn tại không có cụm từ thích hợp trong bất kỳ ngôn ngữ. Trong mọi trường hợp, các nhạc sĩ muốn nói rằng nó chỉ có một ý nghĩa âm nhạc thuần túy.
Vì lý do này, nó có thể được lập luận rằng đó là dễ dàng hơn để "hiểu" Tchaikovsky (nói) so với Beethoven. Nó là dễ dàng hơn để pin một ý nghĩa chữ trên một mảnh Tchaikovsky hơn trên một mảnh Beethoven. Thông thường, nó là khá khó khăn để đặt ngón tay của bạn trên chỉ là những gì Beethoven đang nói. Bất kỳ nhạc sĩ sẽ cho bạn biết rằng đây là lý do tại sao Beethoven là một nhà soạn nhạc vĩ đại.
c. Nhạc Sheerly
Ở cấp độ này, người nghe tham dự đến các vấn đề về hình thức và cấu trúc. Để thực hiện theo các dòng suy nghĩ của một nhà soạn nhạc, người nghe tham dự đến các vấn đề như giai điệu, nhịp điệu, hòa hợp, và tông màu một cách có ý thức.
Một tương tự có thể giúp ở đây. Hãy suy nghĩ về những gì sẽ xảy ra khi chúng tôi đi đến nhà hát. Trong nhà hát, chúng ta ý thức của các cầu thủ, khung cảnh, trang phục, các phong trào, và như vậy. Tất cả những yếu tố này cung cấp cho một cảm giác rằng các nhà hát là một nơi dễ chịu được. Chúng tạo thành những máy bay gợi cảm trong các phản ứng sân khấu của chúng tôi.
Chúng tôi sẽ trải nghiệm những máy bay biểu cảm về mặt cảm xúc, chúng tôi nhận được từ những gì đang xảy ra trên sân khấu. Chúng tôi động lòng trắc ẩn, sự phấn khích, và như vậy.
Trải qua những âm mưu, sau phát triển của nó nói, sẽ tương đương với trải nghiệm âm nhạc ở mức âm nhạc Sheerly. Các nhà viết kịch phát triển một nhân vật chỉ trong cùng một cách một nhà soạn nhạc tạo và phát triển một chủ đề. Khi chúng tôi trở thành nhiều hơn và nhiều hơn nữa nhận thức của các con đường nghệ sĩ xử lý tài liệu của mình, thì chúng ta càng nghe thông minh.
- Tóm lại, sau đó, khi nghe nhạc trên máy bay gợi cảm, chúng tôi tập trung vàoa. Môi trường, tức là, những gì tạo ra âm thanh: tiếng nói, dụng cụ, quần áo đồng bộ, và như vậy.
b. Chất lượng âm thanh được sản xuất, về giai điệu, tính đồng nhất, hiệu ứng đặc biệt, và như vậy.
c. Sự năng động hay cường độ của âm thanh, về độ ồn, tính đồng nhất, và thay đổi.
Khi nghe nhạc trên máy bay biểu cảm, chúng tôi cố gắng để xác định cách âm nhạc giải thích - và làm rõ - cảm xúc của chúng tôi. Âm thanh gợi lên cảm xúc:
a. một đoạn bận rộn có thể đề nghị bất an, căng thẳng.
b. một đoạn chậm trong một khóa nhỏ, chẳng hạn như một hành khúc tang lễ, có thể đề nghị u ám.
Khi nghe nhạc trên máy bay nhạc Sheerly, chúng tôi cố gắng tập trung vào
a. Sự chuyển động của các mảnh, tức là, tập trung vào nhịp điệu, đồng hồ của nó, và tiến độ,
b. Sân, tức là, về trật tự và giai điệu của nó, và
c. Cấu trúc của các mảnh, tức là, logic, thiết kế của nó, và kết cấu.
Điều này có nghĩa là lắng nghe cho các "thiết kế kế hoạch" mà gắn bó với toàn bộ một thành phần. Như Copland đặt nó, trong việc hình thành các tài liệu của mình, các nhà soạn nhạc tạo "đường dài", trong đó cung cấp cho người nghe với một cảm giác hướng. Một nhạc sĩ có thể sử dụng các nguyên tắc của sự lặp lại và không lặp lại để cung cấp cho một mảnh dài và một đoạn ngắn tương ứng cảm giác "cân bằng".
Các nhà soạn nhạc cũng "hình dạng" tài liệu âm nhạc của mình bằng cách "phân vùng" công việc, trình bày trong trong một số phong trào (nói). Các hình thức cơ bản bao gồm các fugue, các Grosso concerto, sonata, và bản giao hưởng, một số một số hình thức truyền thống.
- Xác định chất âm nhạc, như nó được. Chúng ta đang nói về một rendition mới của một thành phần cũ? Điều này có nghĩa là tập trung vào âm nhạc, dù mới hay cũ. Xác định thành phần và các cầu thủ. Đặt hiệu vào bối cảnh.
- Hãy cố gắng nắm bắt những qestalt của việc thực hiện, cho dù sống hoặc ghi lại. Nó có thể giúp đỡ để bọc chì của bạn xung quanh nó. Xét ví dụ sau: Whitney Balliett, các nhà phê bình nổi tiếng, ghi lại các âm thanh và cảm giác của một hiệu suất được đưa ra bởi Art Taylor, tay trống trong đoạn văn sau, mà lấy từ New York Ghi chú: Một Tạp chí Jazz trong những năm bảy mươi (1977 ):[Art] Taylor, như là tùy chỉnh của mình, chơi chỉ là một số, nhưng nó kéo dài bốn mươi phút. Đó là toàn bộ các thiết bị của mình bình thường - những hợp âm dập, những đoạn ngắt âm kích động, những hợp âm rải ngoạn, mật độ bão tuyết - nhưng nó có hai phẩm chất mới: trữ tình và dịu dàng. Một lần nữa và một lần nữa, sau khi Taylor đã đưa ra một trong những con sóng thủy triều của mình, bàn tay của mình để đi lên và xuống như que lái xe, ông rơi vào một đầm rõ ràng nơi mà bóng tối của giai điệu lướt ngay bên dưới bề mặt (p. 26).
Vấn đề ở đây là: Hãy cho người đọc của bạn về làm thế nào bạn tìm thấy hiệu suất duy nhất, nói về nghệ thuật. Có lẽ bạn nhận thấy rằng một trong những yếu tố của việc thực hiện đứng ngoài. Các quan sát sau đây sẽ giúp bạn tập trung sự chú ý của bạn.
Melody gợi lên cảm xúc. Chúng tôi nghĩ rằng các lieder (ca khúc nghệ thuật) của Franz Schubert (d năm 1828.); những bản ballad và nhạc trình diễn của những năm 1940 và những năm 1950, đặc biệt là của Frank Sinatra; và nhiều âm nhạc của những năm 1960, đặc biệt là Ann Murray, The Beatles, The Beach Boys, và Carpenters.
Nhịp kích thích cho chúng tôi về thể chất. Yếu tố này của tác phẩm âm nhạc thính giả nhắc để khai thác đôi chân của mình: họ muốn dậy và nhảy múa. Chúng tôi nghĩ rằng các vũ điệu âm nhạc: waltz, tango, và polka. Chúng tôi cũng nghĩ về "ban nhạc lớn" âm nhạc, đặc biệt là tiếng trống của Gene Krupa, người đã làm việc với Benny Goodman, người sáng lập của "swing".
Thông thường, nhịp điệu và giai điệu đi tay trong tay, với tầm quan trọng như nhau và giọng. Thỉnh thoảng, giai điệu là lệ thuộc vào nhịp điệu. Một ví dụ tốt là tác phẩm nổi tiếng của Maurice Ravel, "Bolero" (1928), trong đó bao gồm một crescendo dàn nhạc duy nhất (kéo dài 17 phút). Nếu bạn lắng nghe nó gần hơn, bạn sẽ nhận thấy rằng nó là không có gì nhiều hơn so với 18 lần lặp lại của cùng một chủ đề di chuyển với khối lượng tăng lên và tăng nhẹ tiến độ.
Harmony đã được mô tả như là quần áo của giai điệu. Từ điểm nhìn của các nhạc sĩ thế kỷ l9th, hài hòa hiện đang trong tình trạng vô chính phủ. Hôm nay, chúng ta nghĩ (nói) âm nhạc dân gian, kết hợp ba yếu tố rất độc đáo, bộ tứ cửa hàng cắt tóc, hoặc âm nhạc hợp xướng thường. Nếu bạn là một fan hâm mộ của Kronos Quartet, bạn nhận thấy rằng những người chơi khám phá hòa âm khá tinh tế.
Bài hát Schubert biểu lộ một cảm giác lãng mạn đối với thiên nhiên, cùng với vô số cảm xúc. Chu kỳ bài hát như Die Winterreise hoặc Die Schone Muellerin là những ví dụ tốt. Chú ý rằng khai mạc bình dị của họ được sớm che mờ bởi sự cay đắng và từ chức. Hòa âm tạo thành phương tiện hoàn hảo nhất của biểu thức, với sự đệm đàn piano khẳng định bản thân như là đối tác bình đẳng với các ca sĩ.
Âm sắc có nghĩa là "giai điệu chất lượng" hay "tông màu", trong đó phân biệt tác dụng của một cây sáo từ đó của kèn, một ghi chú được hát bởi một giọng nữ cao choir-boy từ đó của cùng một lưu ý hát bởi một người có giọng trầm, và như vậy. Chúng tôi nghĩ rằng các cưa âm nhạc; đàn tam thập lục, các nhạc cụ yêu thích của Tyrol và vùng núi lân cận; và đàn harp-guitar được xây dựng bởi Andreas Vollanweider, tay guitar của Thụy Sĩ. Chúng tôi cũng nghĩ về Angelo Badalamenti, người sản xuất âm nhạc cho Twin Peaks.
Hãy nhớ rằng, mục tiêu của bạn là để nói cho người đọc lý do tại sao việc thực hiện là duy nhất. Điều này có nghĩa là việc bên trong tâm trí của người biểu diễn như nó vốn thế, giải thích tại sao anh ta hoặc cô ta thực hiện theo cách mà họ làm. Hãy chắc chắn để chỉ báo cáo những gì tai nghe của bạn.
- Cuối cùng, như các nhà phê bình âm nhạc, chúng ta chỉ có thể làm cho mọi người nghĩ. Chúng tôi không thể thay đổi khẩu vị của người dân. Vì lý do này, nó là một ý tưởng tốt để tập trung vào hiệu suất, tức là, về những tính năng mà đóng góp vào sự "giả dối" của âm nhạc định. Hãy nhớ rằng: công việc của một người biểu diễn là để cá tính của dự án. Giải thích là một hòa trộn của tính cách của người chơi với các nhà soạn nhạc. Chúng tôi cố gắng nói một trong những nơi kết thúc và bắt đầu khác.
Nguồn . Balliett, Whitney New York Ghi chú: Một Tạp chí Jazz trong những năm bảy mươi. New York: Da Capo Press, 1977.
Copland, Aaron. Có gì để Nghe trong âm nhạc. New York: Mentor Book, 1957.
Martin, F. David, và Lee A. Jacobus. Các ngành nhân văn thông qua nghệ thuật.
0 nhận xét:
Đăng nhận xét